di Cristina Mesturini. Pubblicato sulla rivista letteraria Achab, numero 4

«Decostruire la nozione di visione, di sguardo, significa anche questo: esporre, nel vedere e nel visibile, il dissidio interno che li abita e li anima; mostrare come essi siano pervasi di differenza e di differenze – non sono mai elementi o atti pacificati, strutturati, consolidati una volta per tutte, bensì sono consolidati da un incessante movimento di differimento interno, di sé con sé. Il visibile è sempre anche invisibile», scrive Marcello Ghilardi nel suo saggio Derrida e la questione dello sguardo.

Il lavoro di Antonello Silverini parte proprio da qui, dalla decostruzione della realtà. Dalla citazione, che smonta, che smembra ricostruendo altro, creando forme e significati nuovi. Come nel processo di creazione del sogno. Possiamo vedere riferimenti al new dada, agli assemblaggi di Rauschenberg, ma il Silverini rimane unico e riconoscibile: la sua visione è fantastica ed essenziale, ironica e poetica al tempo stesso. I suoi personaggi sono icone storiche, ma agiscono nel teatrino scomposto della realtà contemporanea.
Antonello Silverini è un illustratore. Una definizione esatta che non gli rende completamente merito. Perché le sue opere, anche quando nascono da una commissione precisa, si staccano dal contesto in cui avrebbero dovuto essere ingabbiate – la pagina di un quotidiano, una copertina, un manifesto – e prendono il volo. Vivono di vita propria, completamente autonoma, prestandosi a letture diverse. E talvolta assumono dimensioni imponenti, con assemblaggi materici vari, che ti chiedi come sia possibile trasferire sulla carta stampata. Eppure per la stampa Antonello lavora, e lavora tanto. Per le pagine della cultura dei maggiori quotidiani italiani, dal “Corriere della Sera”, a “Il Sole 24 ore”, a “la Repubblica”; per periodici come “Geo”, “Panorama” e numerosi magazine americani; editori come Mondadori, De Agostini, Rusconi-Hachette, per citarne alcuni; importanti le copertine di Philip K. Dick per Fanucci; e i numerosi premi e riconoscimenti, fino all’inserimento nel Luerzer’s Archive – 200 Best Illustrators Worldwide.

Antonello, il tuo lavoro è una felice commistione tra materia pittorica ed elaborazione digitale. Quale percorso ti ha portato a sviluppare questa tecnica?

Come tutti quelli che vengono da un percorso accademico più o meno tradizionale, ho sperimentato molte tecniche e sono passato attraverso diverse fasi. L’utilizzo del digitale, nel mio caso, non è solamente una comodità, ma sostituisce e amplia un elemento compositivo e significante già presente nel mio lavoro. L’aver scoperto la possibilità di manipolare la materia fotografica non più attraverso il classico collage, ma per mezzo di una fusione digitale meno iconograficamente invasiva e, al contempo, aver trovato il modo di digitalizzare la materia pittorica pre-esistente, senza dover passare per la traduzione di programmi dedicati al disegno (utilizzo esclusivamente photoshop), mi consente una maggiore gamma di opzioni tecniche e interpretative.

Le tue immagini sono strutture composte, ricche di citazioni, di pezzi scovati e raccolti. Come ti muovi nella tua ricerca?

La mia ricerca è puramente espressiva. I materiali che cerco e utilizzo, al pari delle citazioni, hanno una valenza, per così dire, linguistica. E proprio di linguaggio mi trovo spesso a parlare, quando mi riferisco alla mia produzione. Potrei dire che gli elementi che utilizzo, le citazioni e i riferimenti culturali –  perfino i materiali – rappresentano la grammatica del mio stile illustrativo e ne costituiscono il linguaggio.

L’illustratore lavora all’interno di un progetto complesso. Quanto il testo è per te un riferimento, quanto ti senti libero di esserne slegato?

Il testo è imprescindibile, altrimenti non sarei un illustratore. La sfida in questo mestiere risiede proprio nell’indipendenza e – allo stesso tempo – nel rispetto del materiale letterario che si va a interpretare. La libertà è quindi la premessa necessaria affinché si creino le condizioni per interpretare o, meglio, raccontare parallelamente un testo. L’importanza autoriale di un illustratore è sempre sostanza di tale arricchimento da dover essere preservata e difesa. Per quanto mi riguarda, consiglio sempre ai miei committenti di limitare le incursioni nel mio fare; proprio per evitare di depauperare un materiale che ha bisogno di tutta la sua libertà per potere esprimere la propria forza.

I quotidiani, i libri, i grandi manifesti. Qual è il tuo spazio ideale?

Tutti gli spazi sono affascinanti. Ideali, semmai, sono le condizioni che caratterizzano i lavori. Le contingenze tematiche sono spesso l’elemento di maggiore determinazione, per quanto riguarda l’approccio a una immagine e le eventuali difficoltà sono spesso uno stimolo interpretativo. Non considero mai un’illustrazione come una summa di stilemi consolidati da reiterare all’infinito e mi rapporto a ogni lavoro senza lasciarmi suggestionare da precondizionamenti eccessivamente mestieranti (e aggiungo, retorici).

E nuovi desideri? Altri progetti?

Molti… Vorrei portare avanti il percorso che ho iniziato con la pittura e i grandi formati,  e senz’altro sperimentare nuove strade nell’illustrazione. Ma soprattutto in questo momento mi piacerebbe realizzare un progetto editoriale ambizioso:  un libro illustrato (anche graphic novel!), perché mi rendo conto di aver bisogno di confrontarmi con il racconto, di cimentarmi con la narrazione per immagini. Mi auguro di trovare le condizioni e le persone giuste con le quali collaborare.

I Maestri dell’illustrazione. "Antonello Silverini. La sintesi lirica" 
Documentario di Alessandro Cartosio

Le illustrazioni sono copyright © Antonello Silverini.
Questo il suo sito web personale www.antonellosilverini-illustrator.com.